2024, año de importantes aniversarios (II, 1939)

Existen varios años claves en el Cine, como el mencionado 1994, pero hay uno en particular que es de un modo más o menos "oficial" como el mejor, el que tiene más consenso de otorgarle esta categoría.

1984 es el que consolidó la manera de hacer cine comercial para el resto de la década y del que se recuerda con más nostalgia; 1998 es el que le dio una visibilidad en forma de premios al cine de corte más indie cuya manera de rodar se estaba introduciendo en los estudios más grandes, haciendo que estas compañías se encargasen de la distribución internacional de estas películas, siendo Shakespeare in love, la triunfadora de su año por encima de Salvar al soldado Ryan, poniendo a Miramax como estudio a tener en cuenta.

Grandes años, pero no al nivel de relevancia e importancia que tiene 1939. Este año que ya llega a su fin es el 85 aniversario del estreno de una serie de películas que hoy en día siguen en el mapa.

1939 es un año aciago en el panorama social y político internacional, al ser el comienzo de La Segunda Guerra Mundial, pero para la industria cinematográfica estadounidense es el apogeo de la etapa denominada Cine Clásico, La Edad de Oro que tiene como punto de partida 1927, el año del estreno de El cantor del Jazz, la primera película sonora, y su finalización en 1967, con el estreno de Bonnie and Clyde, cinta iniciadora del Nuevo Hollywood, y la derogación del Código Hays, el reglamento censor que tenía que seguir la industria sobre qué debía aparecer en pantalla que estaba en vigor desde 1934.

En el cine clásico la técnica que se usaba para rodar era "el estilo invisible", parecida a la cadena de montaje de Henry Ford, método que reflejó de manera sarcástica Charle Chaplin en su obra maestra Tiempos modernos, en el que las películas se rodaban de una manera similar, encuadradas en su género, en apariencia todas iguales. Los westerns eran westerns, el melodrama era melodrama, etc, en el que no experimentaban ni jugaban con el género. Este estilo invisible significaba que la cámara no debía llamar la atención del espectador, en el que el montaje siga una coherencia sin muchos alardes visuales que pudieran romper el Principio de la continuidad.

Fueron los años del Star System, el Sistema de Estudios donde los equipos técnicos y artísticos trabajaban bajo unos contratos de exclusividad que les impedía trabajar para otros estudios. Eran contratos de larga duración y sirvieron para que cada productora tuviera una seña de identidad propia. Por ejemplo Warner Bros. se especializó en cine de gangsters o políciacos, o la MGM en melodramas.

Se ha señalado que 1939 fue el apogeo de la industria, ya que el cine silente queda enterrado de manera definitiva, con la excepción de Chaplin; el Sistema de Estudios estaba más en forma que nunca; y la creatividad de los cineastas para sortear el Código Hays y contar lo que querían sin que lo rechazaran era inagotable. Como sucedió en el Cine Español durante el Franquismo, a veces la amenaza de la tijera hizo de la metáfora un arte.

Con la perfección y pureza del lenguaje cinematográfico se estrenaron producciones que, 85 años después, siguen siendo recordadas, analizadas y estudiadas. Muchas obras relevantes dirigidas por grandes nombres como John Ford, Frank Capra, Ernst Lubistch o William Wyler, entre otros; o productores como David O. Selznick, responsable de la película más mítica de todas, ejemplo de lo que es Cine. De la excelente ristra de producciones que se estrenaron, hay 3 que sobresalen entre ellas, lo que habla mucho de la importancia que tienen. Que aún entre tanta excelencia se pueda destacar, dice mucho de la influencia que tuvieron, y siguen teniendo, estos tres títulos.

El mago de Oz

Sorprende y a la vez es recurrente en La Historia del Cine que películas que fueron un fracaso en su estreno, sean puestas en el lugar que les corresponde conforme pasan los años. También es cierto que no todo puede lograr el éxito, y más en un año tan lleno de titulazos como 1939. El mago de Oz ha tenido que transitar por el sendero del fracaso en taquilla y el reconocimiento años más tarde por parte del público. Dirigida por Victor Fleming y producida por la MGM, fue nominada a 6 premios, entre ellos la de Mejor Película, y ganó Mejor banda sonora y Mejor Canción, la eterna y versionada Over the rainbow. La industria sí reconoció el mérito tan difícil de adaptar la novela de L. Frank Baum, ambientando la historia en Kansas durante los años de La Gran Depresión, dura etapa para la familia de Dorothy, que se verá en un apuro cuando una severa vecina quiera sacrificar a su perro Totó por haberla mordido. EL día del sacrificio un tornado arrasará el lugar y llevará a Dorothy al mágico mundo de Oz, donde conocerá a unas personas variopintas en su camino de vuelta a casa, mientras una malvada bruja quiere acabar con ella por venganza.

La genialidad de esta producción recae en muchos lugares: El más vistoso es el uso tan maravilloso del Technicolor, otorgando al mundo de Oz de una potencia visual como no se había visto antes. El trabajo de la dirección artística para construir dicho mundo es encomiable, como el maquillaje de los personajes, trabajo fantástico no exento de riesgo. El suceso más recordado es la peligrosidad del maquillaje tóxico de la Malvada Bruja del Oeste.

El guion juego a varios niveles: el primero es el de la aventura. Un cámino del héroe clásico, protagonista que tiene que superar obstáculos para lograr sus metas, conociendo a personajes que la ayudarán durante el recorrido. Después está la simbología de que todo es un sueño de Dorothy, ayudado por el doble trabajo de los actores, que interpretan diferentes personajes en el mundo real y el imaginado, manteniendo sus personalidades bondadosos o no. Otra capa es la representación de capacidades o conceptos como la inteligencia, el coraje, la valentía encarnadas en el trío de personajes que acompañan a la protagonista y que harán que ella también crezca en esos aspectos. Los diferentes mensajes que desprende la cinta sirven para elevar el espíritu y llenar de optimismo al espectador. "No hay nada como el hogar", "No dejes de soñar", "Eres más fuerte de lo que crees", "El valor de la amistad" y muchos más han hecho que esta película se haya vuelto de culto y 85 años después las nuevas generaciones sigan disfrutando de ella.

Nada mal para una producción que se hizo en respuesta al éxito Blancanieves y los siete enanitos.

Disponible en HBOMAX (a fecha 19 de diciembre 2024).

El mago de Oz

La diligencia

Para 1939, el western estaba de capa caída. Género estrella de Estados Unidos, al recrear una etapa de su historia, La Conquista del Oeste, que no tiene igual en otros países con más Historia, y que la literatura y el cine han mitificado, elevando a la categoría de mito a muchas personas que destacaron en esa etapa de expansión del territorio. Este género languidecía sobre todo en producciones de serie B que se estrenaban en doble sesión como teloneros del título fuerte, y estaba siendo menospreciado. Hasta que llegó un director que se forjó en dirigir westerns en los años del cine mudo y volvió a revitalizar el género con esta película, que sirvió también para darle el estatus de estrella a su protagonista, John Wayne. Este realizador no es otro que John Ford, considerado por muchos como el mejor director de la historia.

Este fue su primer western sonoro después de un hiato de 13 años alejado del género. Fue la película con la que John Wayne alcanzaría el estrellato. La diligencia volvería a elevar al género a producciones más ambiciosas, y varios factores serían los que esta producción esté calificada como de las mejores de la Historia del Cine.

Primero, sus personajes. Todos con un desarrollo y psicología mejor construidos de lo acostumbrado en el género, un microcosmos de la sociedad encerrados en un carromato. Están las clases más privilegiadas, que siempre están mejor consideradas, y las humildes, que contarán con el desprecio de la mayor parte de la sociedad. Reforzados por un plantel actoral espléndido, son capaces de transmitir la capa más superficial del borrachín, el tahúr, la mujer decente, la mujer de vida más alegre, etc., y la de la eterna lucha de clases, donde el de clase más baja siempre va a ser repudiado.

Todo va acompañado de un ritmo endiablado, donde no da un respiro, ya que se aprovechan las paradas de repostaje para seguir avanzando en la trama y desarrollo de personajes. Unas escenas de acción y tensión rodadas con un brío y saber hacer sublimes.

John Ford es una parte fundamental de la relevancia de este largometraje. El otro es la labor como supervisor de las secuencias de persecución del actor y especialista Yakima Canutt. Amigo de Wayne desde los años del cine mudo, juntos hicieron avanzar la especialidad del Stuntman, innovando en las técnicas de rodaje de secuencias peligrosas. Canutt dobló a John Wayne en varias escenas de esta película, además de doblar algunos personajes indios durante el tramo final. Estas secuencias son estudiadas en las escuelas de cine. Canutt se hizo un nombre en la industria y fue director de segunda unidad en cintas míticas como Ben-Hur, Espartaco, El Cid o La caída del Imperio Romano.

Nominada a siete Oscar, ganó el de Mejor Actor secundario (Robert Mitchell) y Mejor Banda sonora adaptada.

Disponible en FILMIN (a fecha 19 de diciembre 2024).

La diligencia

Lo que el viento se llevó

Si hay una película en toda la Historia del Cine que represente la industria, que sea un sinónimo visual de la palabra Cine es esta difícil producción basada en la inmensa novela escrita por Margaret Mitchell.

La historia empieza algunos días antes de la Guerra de Secesión (1861-1865), los años de la contienda y los duros años posteriores al conflicto. La protagonista es Scarlett O`Hara, interpretada por Vivien Leigh después de pasar una complicada tarea de casting para ver quién era la actriz adecuada para este papel, pasando por un proceso de selección más de 1400 desconocidas, y prácticamente todas las actrices de la época, siendo la principiante Leigh la elegida. Esta caprichosa joven se enamora del prometido de su mejor amiga y no dudará en utilizar a los hombres a su antojo por simple jugueteo. Conoce a Rhett Butler, interpretado por Clark Gable, la primera opción para el papel. Este personaje es el igual de ella en inteligencia y valores amorales, y su relación conforme pasan los años serán de un aprovechamiento mutuo e interesado uno del otro.

Scarlett es uno de los personajes femeninos mejor escritos, tanto en la obra original, que es mucho más fuerte y determinada, como en la película, que suavizan algunas tramas pero manteniendo su arrojo y coraje para pasar de ser una niña mimada y caprichosa en una mujer aguerrida y pragmática, que no duda en llegar hasta el final para conseguir que ella y los suyos no vuelvan a pasar hambre. Pocos personajes femeninos existen con tantos matices y con una independencia del hombre, y es más reseñable si cabe que se haya escrito en esos años donde el rol femenino no pasaba de ser la acompañante sufridora o la causante de mal al rol masculino.

David O Selznick es el productor responsable de llevar a cabo el largometraje y tuvo que lidiar con unos de los rodajes más complicados de su tiempo. Una labor ambiciosa, titánica, que quiso reflejar el conflicto y los horrores de la guerra de un modo descarnado, como el travelling que nos va descubriendo el hospital de campaña repleto de soldados heridos o muertos. Una escena majestuosa entre muchas más, como la huida de una Atlanta en llamas de Scarlett, Rhett y una embarazada Melanie encima de un carro. Épica sin parangón. Para lograr la verosimilitud del incendio, se quemaron los decorados de otra película mítica, King Kong. Otra escena que es parte del Cine es el juramento que le hace nuestra protagonista a Dios, llevada a cabo en un atardecer, con un color rojo vivo del cielo y la silueta de Scarlett.

Hasta tres directores se sentaron en la silla, siendo Víctor Fleming el acreditado al final. George Cukor fue el primero, pero tras varias diferencias con Selznick por el guion y el rechazo de Gable acabó siendo reemplazado por Fleming, que cayó enfermo durante el complicado rodaje y un director artesano de MGM lo sustituyó en su convalecencia.

Desde siempre ha recibido críticas por su idealización de la esclavitud, una de las causas que llevaron a la Guerra de secesión, pero creo que hay que entender el contexto de los años en los que está ambientada la trama, y comprender que las simpatías que pueden tener algunos personajes por el KKK no quiere decir que la película apoye ese ideal. Es bochornoso que el servicio de streaming HBO tuviera primero que retirar el largometraje por críticas sin fundamento vertidas en las redes sociales y después tener que añadir un cartel informativo en el que se desliga de lo que la historia ca a contar.

La producción más nominada a los premios de la Academia del año, 13, arrasó con 8 premios, incluidos Mejor Película, Mejor Director, Mejor Montaje, Mejor fotografía.

Espectáculo grandioso de una etapa del cine que está siendo olvidada por las nuevas generaciones, Lo que el viento se llevó es una cinta inmortal de un año clave para la industria, que se dejó todos los recursos para esta mastodóntica superproducción que sigue en plena forma y nunca decae pese a sus casi cuatro horas de duración.

Disponible en HBOMAX, FILMIN, MOVISTAR PLUS (a fecha 19 de diciembre 2024).